Le programme d'ARTS² met un accent particulier sur l’interprétation et la création chorégraphique, offrant ainsi aux étudiant·es une perspective unique et tournée vers l’avenir.

Le programme est intitulé « Bachelier et Master en danse : interprétation ».

Ce choix délibéré de ne pas mentionner le terme "danse contemporaine" dans le titre reflète une vision de la danse comme un art dynamique et en constante évolution.

En omettant cette appellation, l’école affirme son engagement à embrasser une diversité de styles et de techniques et à rejeter les étiquettes qui peuvent restreindre l'expression artistique.

L’art de la danse évolue constamment et intègre des influences variées issues de cultures et de styles de danse du monde entier. Le terme "contemporain" ne reflète pas la diversité des pratiques et des approches artistiques qui existent aujourd'hui. Les chorégraphes et créateur.rice.s explorent des thématiques, des technologies et des modes d'expression variés.

Cette décision symbolise une volonté de transcender les catégories traditionnelles pour offrir une éducation en danse qui est véritablement inclusive et tournée vers l’avenir.

Pas de pré-requis pour candidater aux épreuves d'admission

Le programme est ouvert à toutes et à tous, indépendamment de l'expérience ou des antécédents en danse. Nous croyons fermement que chaque personne possède un potentiel créatif unique qui peut être révélé et cultivé. La philosophie sous-jacente à cet enseignement s’appuie sur une conviction simple mais puissante : tout individu a la capacité de danser.

En accueillant des candidat·es de tous horizons, nous favorisons la création de groupes d'étudiant·es diversifiés, enrichis par une variété de corps, d'influences et de niveaux techniques. Cela inclut des différences d'âges, des personnes n'ayant jamais dansé et des danseur·euses issu·es de la culture urbaine, offrant ainsi une richesse d'expériences et de styles qui stimulent la créativité collective.

Cette diversité crée un environnement d'apprentissage dynamique et inclusif, où chacun·e peut s'exprimer librement et apprendre des autres. Nous sommes convaincu·es que cette approche encourage le développement personnel et artistique de chaque participant·e, tout en promouvant une communauté soudée et respectueuse.

Accent sur l’interprétation

L'école met un accent particulier sur l'interprétation, formant des artistes danseur·euses scéniques, capables de transmettre des émotions complexes à travers leur art. En multipliant les occasions de performance, le cursus prépare les étudiant·es à s'affirmer en tant que danseur·euses interprètes, aptes à s'adapter à divers contextes scéniques.

Certains modules d'atelier se concluront par une présentation publique, offrant aux étudiant·es la chance de montrer leur progression et d'interagir avec des publics. Ces présentations régulières renforcent la confiance des étudiant·es, améliorent leur présence scénique et leur donnent l'expérience nécessaire pour se produire devant divers types de spectateur·rices.

Les étudiant·es auront l'opportunité de participer à des projets de création chorégraphique, où iels pourront collaborer avec des chorégraphes. Cela leur permet d'expérimenter le processus créatif et d'apprendre à interpréter des œuvres originales.

Les étudiant·es sont encouragé·es à assister régulièrement à des spectacles ; cette exposition à des artistes et des productions diversifiées leur permet de s'inspirer, d'élargir leurs perspectives artistiques et pratiques scéniques.

Une approche libérée de l'esthétique en danse

Plutôt que de reproduire l’esthétique de courants chorégraphiques spécifiques, l'école met l'accent sur un apprentissage fonctionnel et organique de la danse. La pratique de l'improvisation, les cours somatiques et l'étude anatomique permettent aux étudiant·es de se libérer des conventions esthétiques préétablies, en privilégiant la réflexion et la sensation sur la finalité. Cette approche élève l'art de la danse au-delà de la simple technique, créant des interprètes capables de saisir la substance et l'essence de chaque geste.

Une approche pédagogique axée sur l’improvisation

Cette approche invite les danseur·euses à explorer leur propre vocabulaire corporel, en les encourageant à expérimenter et à développer une écoute attentive et sensible de leur corps et de leur environnement. Cette méthode valorise l'intuition et l'expression personnelle. L'improvisation devient ainsi un outil de recherche, où chaque danseur·euse forge une connexion avec son identité artistique, tout en se libérant des schémas de mouvement codifiés.

Étude des sources et courants chorégraphiques

Les étudiant·es sont encouragé·es à explorer les origines et évolutions des différents courants chorégraphiques. Cette exploration, qui inclut l’étude de répertoires, leur permet de contribuer à l'évolution continue de la danse tout en intégrant une compréhension de son histoire.

Symbiose musique/danse

La collaboration entre musique et danse est centrale dans le programme. Les étudiant·es travaillent étroitement avec des musicien·nes, et des compositeur.ice.s favorisant une synergie créative qui enrichit leur compréhension et leur pratique artistique.

Approche interdisciplinaire

En intégrant des influences des arts visuels, de la musique, du théâtre et des sciences du mouvement, ainsi qu’en collaborant avec les différents domaines de l'école, le programme encourage une exploration créative et multidisciplinaire.

Cette approche interdisciplinaire favorise non seulement l'enrichissement de la pratique de la danse, mais aussi le développement de projets collaboratifs qui transcendent les frontières artistiques traditionnelles. Cela permet aux étudiant·es de développer une vision artistique autant personnelle que globale, en s'inspirant de diverses formes d’art, pour enrichir leur pratique de la danse. Les étudiant·es sont ainsi formé·es à devenir des artistes polyvalent·es, capables d'exceller dans divers contextes artistiques.